Dibujar figuras - Figure drawing - Wikipedia

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Dibujo de figura por Leonardo da Vinci

A dibujar figuras es un dibujo de la forma humana en cualquiera de sus diversas formas y posturas usando cualquiera de los dibujos medios de comunicación. El término también puede referirse al acto de producir tal dibujo. El grado de representación puede variar desde representaciones muy detalladas y anatómicamente correctas hasta bocetos sueltos y expresivos. Un "dibujo de vida" es un dibujo de la figura humana a partir de la observación de un modelo. Un dibujo de figura puede ser una obra de arte compuesta o un estudio de figuras hecho en preparación para un trabajo más terminado, como una pintura.[1] El dibujo de figuras es posiblemente el tema más difícil artista encuentros habituales y cursos completos dedicados al tema. La figura humana es uno de los temas más perdurables en las artes visuales, y la figura humana puede ser la base de retrato, ilustración, escultura, ilustracion medicay otros campos.

Enfoques

Los artistas adoptan una variedad de enfoques para dibujar la figura humana. Pueden basarse en modelos en vivo o en fotografías,[2] de modelos esqueléticos, o de la memoria y la imaginación. La mayor parte de la instrucción se centra en el uso de modelos en cursos de "dibujo natural". El uso de referencias fotográficas, aunque es común desde el desarrollo de fotografíaA menudo es criticado o desanimado por su tendencia a producir imágenes "planas" que no logran captar los aspectos dinámicos del sujeto. El dibujo de la imaginación es a menudo alabado por la expresividad que fomenta y criticado por las inexactitudes introducidas por la falta de conocimiento o la memoria limitada del artista al visualizar la figura humana; la experiencia del artista con otros métodos tiene una gran influencia en la efectividad de este enfoque.

Al desarrollar la imagen, algunos artistas se centran en las formas creadas por la interacción de valores claros y oscuros en las superficies del cuerpo. Otros adoptan un enfoque anatómico, comenzando por aproximar el interno esqueleto de la figura, superponiendo los órganos internos y musculatura, y cubriendo esas formas con la piel, y finalmente (si aplica) ropa; El estudio de la anatomía interna humana suele estar involucrado en esta técnica. Otro enfoque consiste en construir libremente el cuerpo de geométrico formas, por ejemplo, una esfera para el cráneo, un cilindro para el torso, etc., luego refina esas formas para que se parezcan más a la forma humana.

Para aquellos que trabajan sin referencia visual (o como un medio para verificar su trabajo), proporciones comúnmente recomendadas en el dibujo de la figura son:[3]

  • Una persona promedio generalmente mide 7 cabezas y media de altura (incluida la cabeza). Esto se puede ilustrar a los estudiantes en el aula usando platos de papel para demostrar visualmente la longitud de sus cuerpos.
  • Una figura ideal, usada para dar una impresión de nobleza o gracia, se dibuja a 8 cabezas de altura.
  • Una figura heroica utilizada en la representación de dioses y superhéroes tiene ocho cabezas y media de altura. La mayor parte de la longitud adicional proviene de un pecho más grande y piernas más largas.

Estas proporciones son más útiles para un modelo de pie. Poses que introducen escorzo de varias partes del cuerpo hará que difieran.

Medios de comunicación

Mujer sentada, dibujo en crayón negro, escuela de Rembrandt (siglo 17)

los Salón francés en el siglo XIX recomendó el uso de Conté crayones, que son barras de cera, aceite y pigmento, combinados con papel especialmente formulado. No se permitió el borrado; en cambio, se esperaba que el artista describiera la figura con trazos ligeros antes de hacer marcas más oscuras y visibles.

Dibujo de figura por Lovis Corinto. Antes de 1925

Una técnica moderna popular es el uso de un carbón palo, preparado a partir de enredaderas especiales, y una forma de papel más rugosa. El carbón se adhiere flojamente al papel, lo que permite un borrado muy fácil, pero el dibujo final se puede conservar usando un "fijador" en aerosol para evitar que el carbón se borre. El carbón comprimido más duro puede producir un efecto más deliberado y preciso, y los tonos graduados se pueden producir manchando con los dedos o con una herramienta de papel cilíndrica llamada tocón.

El lápiz de grafito también se usa comúnmente para dibujar figuras. Para este propósito, los lápices de artista se venden en varias formulaciones, que van desde 9B (muy blando) a 1B (medio blando) y desde 1H (medio duro) a 9H (muy duro). Como el carbón, se puede borrar y manipular con un muñón.

La tinta es otro medio popular. El artista a menudo comenzará con lápiz de grafito para esbozar o delinear el dibujo, luego el trabajo de línea final se realiza con un bolígrafo o pincel, con tinta permanente. La tinta se puede diluir con agua para producir gradaciones, una técnica llamada lavado de tinta. Las marcas de lápiz se pueden borrar después de aplicar la tinta, o dejarlas en su lugar con tintas oscuras dominando.

Algunos artistas dibujan directamente con tinta sin la preparación de un boceto a lápiz, prefiriendo la espontaneidad de este enfoque a pesar de que limita la capacidad de corregir errores. Matisse es un artista conocido por haber trabajado de esta manera.

Un método preferido de Watteau y otros artistas de los siglos XVII y XVIII de la Barroco y Rococó era comenzar con un fondo de color a medio camino entre el blanco y el negro, y agregar sombra en negro y reflejos en blanco, utilizando lápiz y tinta o "crayón".

Historia

La figura humana ha sido objeto de dibujos desde tiempos prehistóricos. Si bien las prácticas de estudio de los artistas de la antigüedad son en gran parte una cuestión de conjeturas, la sofisticación anatómica de sus trabajos sugiere que a menudo dibujaban y modelaban a partir de modelos desnudos. Una anécdota contada por Plinio describe como Zeuxis revisó a las jóvenes de Agrigentum desnudo antes de seleccionar cinco cuyos rasgos combinaría para pintar una imagen ideal.[4] El uso de modelos desnudos en el taller del artista medieval está implícito en los escritos de Cennino Cennini, y un manuscrito de Villard de Honnecourt confirma que dibujar a partir de la vida era una práctica establecida en el siglo XIII.[4] El Carracci, quien abrió su Accademia degli Incamminati en Bolonia en la década de 1580, marcó la pauta para las escuelas de arte posteriores al hacer del dibujo de la vida la disciplina central.[5] El curso de capacitación comenzó con la copia de grabados, luego procedió a dibujar a partir de moldes de yeso, luego de lo cual los estudiantes fueron entrenados en el dibujo del modelo en vivo.

A finales del siglo XVIII, los estudiantes de Jacques-Louis DavidEl estudio siguió un riguroso programa de instrucción. El dominio del dibujo se consideraba un requisito previo para la pintura. Durante aproximadamente seis horas al día, los estudiantes se basaron en un modelo que permaneció en la misma pose durante una semana.[6] "Los dibujos del siglo XVIII, como el atribuido a Jacques-Louis David, se realizaban habitualmente sobre papel tintado con tiza roja o negra con reflejos blancos y fondo oscurecido. Las poses de las modelos tendían a ser activas: las figuras de pie parecen estar a punto de moverse y Incluso las figuras sentadas gesticulan dramáticamente. La observación cercana del cuerpo del modelo fue secundaria a la interpretación de su gesto, y muchos dibujos, consistentes con la teoría académica, parecen presentar una figura representativa en lugar de un cuerpo o rostro específico. En comparación, las academias producidas en del siglo XIX se ejecutaron [...] típicamente con tiza negra o carboncillo sobre papel blanco y son representaciones meticulosas de las particularidades e idiosincrasias del cuerpo del modelo vivo. La evidencia de la mano del artista se minimiza y, aunque posa reclinada o sentada son raras, incluso las poses de pie son comparativamente estáticas ... " [7] Antes de finales del siglo XIX, las mujeres generalmente no eran admitidas en las clases de dibujo de figuras.[8]

Figura de la academia

Un figura de la academia es un dibujo, cuadro o escultura de manera literal, de la cuerpo humano desnudo usando un modelo vivo, típicamente a la mitad del tamaño de la vida.[cita necesaria]

Es un ejercicio común requerido a los estudiantes en escuelas de arte y academias, tanto en el pasado como en el presente, de ahí el nombre.[9]

Mujeres

Una figura académica trascendida por un pintor neoclásico Pierre Subleyras

Relatos históricos revelan que modelos desnudos para aspirantes artistas femeninas en gran parte no estaban disponibles. A las mujeres se les prohibió la entrada a ciertas instituciones porque se consideraba inapropiado y posiblemente incluso peligroso para ellas estudiar a partir de modelos desnudas.[10] Aunque los hombres tuvieron acceso a desnudos masculinos y femeninos, las mujeres se limitaron a aprender anatomía de modelos y modelos. No fue hasta 1893 que a las estudiantes se les permitió el acceso al dibujo natural en la Royal Academy de Londres.[11] e incluso entonces se requirió que el modelo se cubriera parcialmente.[12]

El acceso limitado a figuras desnudas obstaculizó la carrera y el desarrollo de las artistas femeninas. Las formas de pintura más prestigiosas requerían un conocimiento profundo de la anatomía que se les negaba sistemáticamente a las mujeres.[12] que por lo tanto fueron relegados a formas de pintura menos consideradas como género, naturaleza muerta, paisaje y retrato. En Linda NochlinEn el ensayo "¿Por qué no ha habido grandes artistas femeninas?", Identifica el acceso restringido que tenían las mujeres al dibujo de figuras desnudas como una barrera históricamente significativa para el desarrollo artístico de las mujeres.[12]

Instrucción de estudio contemporáneo

Dibujo de un hombre sentado con las piernas cruzadas
Estudio desnudo por Annibale Carracci

La instrucción de dibujo de figuras es un elemento de la mayoría arte fino y ilustración programas. Academias de bellas artes en Italia tener un scuola libera del nudo ("escuela gratuita del desnudo") que forma parte del programa de grado pero también está abierta a estudiantes externos.[13] En un aula típica de un estudio de dibujo de figuras, los estudiantes se sientan alrededor de un modelo, ya sea en semicírculo o en círculo completo. No hay dos estudiantes que tengan exactamente la misma vista, por lo que su dibujo reflejará la perspectiva de la ubicación única del artista en relación con el modelo. El modelo a menudo posa sobre un soporte para que los estudiantes puedan encontrar más fácilmente una vista despejada. Dependiendo del tipo de pose, se pueden usar muebles y / o accesorios. Por lo general, se incluyen en el dibujo, en la medida en que sean visibles para el artista. Sin embargo, los antecedentes suelen ignorarse a menos que el objetivo sea aprender sobre la ubicación de las figuras en un entorno. Los modelos individuales son los más comunes, pero se pueden usar varios modelos en clases más avanzadas. Muchos estudios están equipados para permitir una variedad de arreglos de iluminación.

Cuando se enseñan a nivel universitario, los modelos de dibujo de figuras a menudo (pero no siempre) desnudo (aparte de pequeñas joyas, accesorios u otros artículos que no sean visibles). Mientras posa, generalmente se le pide al modelo que permanezca perfectamente quieto. Debido a la dificultad de hacer esto durante un período prolongado de tiempo, los descansos periódicos para que el modelo descanse y / o se estire generalmente se incluyen en sesiones más largas y para poses más difíciles.

Al comienzo de una sesión de dibujo de figuras, a menudo se solicita al modelo que haga una serie de poses breves en rápida sucesión. Se denominan posturas gestuales y suelen durar de uno a tres minutos cada una. Dibujo de gestos es un ejercicio de calentamiento para muchos artistas, aunque algunos dibujan el gesto como primer paso en cada dibujo de una figura.[14] Estos trazos amplios no solo se realizan con un movimiento de muñeca, sino que se utilizan todo el brazo para capturar el movimiento del modelo. También ayuda a que el artista se concentre en el modelo en lugar del papel. Cuando se trata del cuerpo humano, los artistas son dolorosamente críticos; las proporciones de una naturaleza muerta no tienen que dibujarse perfectamente para parecer auténticas, pero incluso el más mínimo error en las proporciones humanas se detectará fácilmente.

Los artistas modernos y contemporáneos pueden optar por exagerar o distorsionar las proporciones para enfatizar el gesto o el estado de ánimo percibido de la pose de los modelos. Los resultados pueden considerarse como una obra de arte terminada, que expresa tanto el sujeto, la observación, la emoción y la marca como respuesta a la experiencia del dibujo de la figura del artista.

La anatomía es solo el primer nivel de preocupación en las clases de vida. Figura-suelo También se consideran las relaciones y otros aspectos de la composición. El equilibrio de una composición se vuelve más crucial y, por lo tanto, se comprende mejor a través del dibujo natural. Los artistas, las artistas cinestésico La respuesta a la pose y cómo se transmite a través de una elección de medios artísticos es una preocupación más avanzada, ya que el propósito de las clases de dibujo de figuras es aprender a dibujar humanos de todo tipo, modelos masculinos y femeninos de todas las edades, formas y Por lo general, se buscan etnias, en lugar de seleccionar solo modelos hermosos o aquellos con figuras "ideales". Algunos instructores buscan específicamente evitar el tipo de modelos preferidos por los fotógrafos de moda, buscando ejemplos más "realistas" y evitando cualquier implicación de objetivación sexual. Los instructores también pueden favorecer modelos de tipos de cuerpos particulares basados ​​en los contornos únicos o texturas superficiales que proporcionan. La variedad de modelos contratados puede verse limitada por la necesidad de que mantengan una pose durante períodos prolongados (eliminando niños inquietos y personas mayores frágiles), y preocupaciones de modestia y legalidad cuando los modelos posan desnudos (restringiendo el uso de menores).

Ver también

Notas

  1. ^ Berry, cap. 8 - "Dibujar como preparación"
  2. ^ Maureen Johnson y Douglas Johnson (2006). Modelos de arte: desnudos de la vida para dibujar, pintar y esculpir. Libros de modelos en vivo. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (19 de enero de 2014). "Proporciones estándar del cuerpo humano". makingcomics.com. Recuperado 6 de septiembre 2020.
  4. ^ a B Estrictamente académico 1974 p. 6.
  5. ^ Estrictamente académico 1974, pág. 7.
  6. ^ Estrictamente académico 1974, pág. 8.
  7. ^ S. Waller, La invención del modelo: artistas y modelos en París, 1830-1870. 2016, pág.5.
  8. ^ Estrictamente académico 1974, pág. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» y «Modèle», dans Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, París, Panckoucke, 1791. Fuente citada en fr: Académie (dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. "Mujeres artistas en la Francia del siglo XIX". Museo Metropolitano de Arte.
  11. ^ Levin, Kim. "Las diez historias principales de ARTnews: exponiendo lo oculto'". ArtNews.
  12. ^ a B C Nochlin, Linda. "¿Por qué no ha habido grandes artistas femeninas?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, págs. 829–830. ISBN 8838778639 (en italiano)
  14. ^ El manual del modelo de arte http://www.artmodelbook.com

Referencias

enlaces externos

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